Hace años que se anunció, para el mismo año, el estreno de los dos comics más carismáticos de la historia. Esto podría pasar por coincidencia, pero no es así: hace tiempo que Hollywood, agotados los bestsellers y los remakes orientales de terror, se ha volcado en las viñetas para buscar proyectos de “éxito garantizado”. Porque esa es la clave del declive, amigos; no es que los guionista de La Meca del Cine ya no den más de sí, es que los productores de cine han renunciado a arriesgarse. Y, claro, los guionistas se han pasado a las series de televisión, donde están marcando época.

No me voy a extender sobre esto último; es sabido de sobras que el mejor cine de nuestro tiempo se hace en la pantalla pequeña. No podría aportar nada nuevo al tema. Pero sobre el mundo de la gran pantalla me gustaría destacar algo: esos productores que solo hacen cine para poder ganar dinero no suelen lograr ninguna de las dos cosas.

En principio, la ecuación parece sencilla: si una novela es un éxito de masas, la llevas al cine. Los lectores harán cola, arrastrado a parejas y parientes – nadie acude sólo al cine- y ya tienes el taquillazo asegurado. Es la doctrina Harry Potter.

Pero últimamente, como decía, no aparecen tantos bestsellers. Y han recurrido a su hermano pequeño: el tebeo. Nada más natural. Después de todo, el comic parece estar más cerca del Story Board que de la novela. Debería ser fácil convertir un comic de éxito en una película de éxito – buena o mala, eso ya no importa tanto-.

Sin embargo, los resultados no cuadran. Dragonball: evolution ha sido una ruina, y Wachmen, sin ser un completo fracaso, no ha cosechado los resultados esperados. ¿Por qué? Bueno, no es la primera vez que la adaptación de las viñetas a los fotogramas no funciona; aunque, como ya he dicho, parezcan tener un código visual parecido el ritmo es muy distinto. El comic disfruta prolongándose, contando historias complejas con numerosos personajes. La película trabaja a contrarreloj: no hay tiempo para profundizar en cada detalle.

Pero estos dos casos mencionados son muy particulares: sus respectivos fiascos obedecen, sobretodo, a la naturaleza de los originales.

De Watchmen hablaré otro día. Con respecto a la otra…

Dragon Ball: la gran obra del gran Akira Toriyama es un compendio de violencia extrema y continua, humor pueril y sexista, imaginación y amistad. Sobretodo esto último, porque la gran baza, la carta que Toriyama juega con maestría es la de antagonistas carismáticos que acaban siendo los mejores amigos. Si miramos uno de esos posters donde aparecen todos los personajes principales posando en grupo no encontraremos ni uno solo que no haya sido enemigo de Goku en un momento dado.

La ecuación era la siguiente: Goku se lanza a la búsqueda de un objetivo. Aparece un rival que compite con él. El rival resulta al principio terrible, casi invencible. Luego nos muestran su historia, sus motivaciones. Nos enamoramos del rival. Goku le vence, pero aparece un enemigo todavía más fuerte. El rival inicial se convierte en aliado. Luego en amigo.

Todos ex enemigos, salvo el hijo. Y alguna hostia tambien le suelta, no creas...

Esta forma de estructurar la historia es, simplemente, genial. Conecta en seguida con el espectador, sobre todo con los niños, porque es así como se hacen amigos: peleándose, para luego reconciliarse y conocerse. Así se forjan los lazos más fuertes.

Pero para plasmarlo bien hace falta tiempo y dedicación. Dos cosas que los productores de Dragon Ball: evolution nunca tuvieron la intención de darle. Querían hacer caja, y punto. El director y los guionistas – ¡quizás!- se leyeran el manga, o vieran el anime, y se encontraron con la imposibilidad de plasmarlo visualmente. Bien, concedido. Tal vez con la inversión en dinero y talento se podría haber logrado algo decente, pero no igual. Nunca. Pero, ¿y la historia?

Ni rastro.     

Y en el papel de Piccolo tenemos a... Nosferatu

Algunos nombres coinciden. Algún detalle del argumento, tal vez. Eso es todo. Por lo demás, le pones otro título – Power Rangers: la película, por ejemplo – y nadie lo habría notado. Una americanada más.

Pero he aquí que los productores de Hollywood han dado con un colectivo al que no es tan fácil darle gato por liebre: los freakes. Permanentemente informados a través de la red de cada uno de los movimientos del mundo – de sus mundos, más bien-, y con una red virtual que ya quisiera la C.I.A., estaban perfectamente informados de lo que había mucho antes del preestreno. Y no han picado.

Puede que los gustos de esta comunidad sean extraños, dudosos o deleznables. Puede que no compartamos su criterio. Pero hay que admitir que tienen gusto y criterio. Saben lo que quieren, y bien harán los prohombres de Hollywood en dárselo. Porque si piensas hacerlo mal, mejor ni lo intentes. Y porque, además, merece la pena hacerlo bien. Y si no, que se lo pregunten a Peter Jackson.

Fría. Muy fría.
Esa es la primera impresión que se te queda tras ver esta película. Los títulos de crédito desfilan acompañados de una hermosísima banda sonora, y esta última es la única que consigue emocionarte un poco. El resto es gélido.
No logro sentir empatía con uno solo de los personajes, ni esperar con tensión el desenlace porque que el argumento carece de misterio: cualquiera que haya sostenido un libro de historia entre sus manos sabe cómo acabó Hitler. Encima es un remake, el enésimo de los últimos años, y la verdad no sé porqué insisten: ninguno es artísticamente superior al original y encima suelen ser fracasos de taquilla…
En este caso, sin embargo, se ha logrado el objetivo económico. El señor Tom Cruise, a pesar ser tan vilipendiado por tirios y troyanos, sigue atrayendo al público al cine, y ya se encargaron los promotores de que el nombre de la estrellas saliera en los carteles más grande incluso que el título de la película.
Cruise es, por tanto, el mayor atractivo del film, el cebo para las masas, pero también podría haber sido la causa de su hundimiento. He dicho podría haber sido, porque le han cargado con todo el peso del metraje pero resulta, ¡sorpresa!, que cumple y con creces. Y ni es una película hecha para su lucimiento– difícil resultar atractivo interpretando a un mutilado coronel nazi-, ni se hace cargante su constante presencia en pantalla. Tampoco puedo unirme a los críticos que le acusan de hacer un personaje frio y distante; olvidan que se está hablando de una persona real, el aristocrático coronel alemán Claus von Stauffenberg quien, de hecho, era frío y distante. Tom Cruise usa toda la pasión y humanidad que se le puede imprimir a semejante personaje sin distanciarse de la realidad.
Y he aquí una de las taras del film: es riguroso. Tremenda y concienzudamente exacto. Si le añades una voz en off explicando quien es cada alto cargo nazi que aparece en el relato estaríamos ante un perfecto programa del Canal de Historia, y el hecho de que TODO el reparto – que realiza un trabajo intachable, por cierto – aparezca con uniformes nazis no ayuda a romper la atmosfera de documental. Así es imposible emocionar a nadie, y cada vez que lo intenta es cuando Valkiria naufraga sin remedio. Es demasiado evidente el esfuerzo por hacerte sentir simpatía por el coronel Stauffenberg, que desde el principio parece una especie nazi antifascista, lo cual es ridículo.
El resto de la película, como ya he dicho, tiene más de lección de historia que de otra cosa.
Ahora bien, ¿por qué tiene que ser esto algo malo? Apelar a los sentimientos es lo fácil; lo hacen todos los cineastas, desde los grandes de Hollywood hasta los guionistas venezolanos que fabrican culebrones en serie. Resulta encomiable que una película le hable a la mente en lugar de al corazón, aunque solo sea por elegir el camino más difícil. Pero esa también es la razón por la que la inmensa mayoría del público saldrá del cine insatisfecho: no es divertido. Pocos son los que acuden al cine dispuestos a esforzarse, y mucho me temo que la inmensa mayoría desconectarán a mitad de la película y su comentario a la salida será “pues vaya rollo”.
Así pues, yo sí recomiendo Valkiria, pero como lo que es: una especie de drama histórico con más Historia que drama. Si no están dispuesto a emprender un mínimo esfuerzo intelectual, si lo que buscan son emociones fuertes, sigan buscando.
Post Data: no he querido dar comentar detalles concretos de la película, en contra de mi costumbre, debido a que Valkiria sigue en los cines a día de hoy, pero no puedo dejar de destacar un hecho: en cuando los golpistas controlan la centralita de teléfonos logran hacerse con el poder de todo el Reich sin pegar un tiro. Simplemente por monopolizar los medios de comunicación. Da qué pensar…

El heroico... nazi

Si digo la pastilla roja todo el mundo piensa en Matrix, pero y si os digo que esa escena salía ya en una película de Schwarzenegger? A ver si sabéis a que película me refiero…

En una dice…

“It’s a symbol. Of your desire to return to reality. –Inside your dream, you’ll fall asleep.”

Y en la otra…

“You take the blue pill and the story ends. You wake in your bed and you believe whatever you want to believe.

You take the red pill and you stay in Wonderland and I show you how deep the rabbit-hole goes.”

¿Qué edad tiene usted? ¿Cuarenta? ¿Cincuenta? Si es así, permítame contarle la historia de cómo ocurrió todo. Le explicaré como ocurrió el gran cambio. Usted estaba allí cuando sucedió, pero no se dio cuenta. Estaba mirando en otra dirección. Así que preste atención.

Creo que ocurrió alrededor de los noventa. O tal vez comenzó en los ochenta, pero no lo percibimos hasta mucho después. Fue como una ofensiva militar, un ataque en pinza. Uno desde occidente y el otro desde oriente. Sin previo aviso.

Empecemos con el occidental.

Los dibujos atrapan a la realidad

En un momento dado, los niños se tiraban ante el televisor para observar a un gato y a un ratón hacerse perrerías. En aquel entonces a esto se le llamaba “ver los dibujos”, y era algo que hacían los niños para entretenerse mientras los padres intentaban disfrutar de la vida un rato.

Algún tiempo después, sin embargo, los niños que observaban al gato y al ratón estaban dentro del televisor. El telespectador se observaba a sí mismo. Habían llegado Los Simpson.

Enmascarado tras un formato tradicionalmente infantil, en un principio los padres no se dieron cuenta. “¿Qué hacen los niños?” pregunta ella, mientras cocina. El padre, desganado, deja la cerveza y se asoma al salón. “Ven los dibujos” comenta, y vuelve a la cocina y a la cerveza.  Todo va bien. Solo son dibujos.

Si el padre se hubiese detenido a examinar la caja tonta se habría dado cuenta que estaba dentro. Allí. Gordo, calvo y con una cerveza. “¿Qué hacen los niños” pregunta Marche. Homer se asoma a la ventana. La luz de un rayo ilumina el interior de la casa-árbol del jardín, donde Milhouse y Bart pelean a muerte por un tebeo. “Están bien” constata Homer. Vuelta a la tele y a la cerveza.

Y ambos tenían más razón que un santo. Los niños estaban bien. Crecerían aprendiendo todo lo esencial que había que aprender de nuestra sociedad a través de los habitantes de Springfield. Nunca le agradeceremos bastante a la computadora que dirige la programación de Antena 3 el haberse colgado en un bucle que nos ofrece, año tras año, todo la gama del sentido del humor, desde el más inteligente y sutil al más chabacano, pasando por el absurdo, comprimido en media hora de animación – con el peaje, eso sí, de otra media hora de publicidad-.

Y desde entonces hasta ahora, veinte años. Hacia la decimo quinta temporada vendrían los South Park, Futurama, Padre de familia, y otras, pero el camino lo habían abierto y recorrido la familia amarilla que ya es un icono cultural. Los primeros en demostrar que los dibujos animados, bajo su imagen pueril, pueden usarse como medio para enviar los mensajes más lúcidos y subversivos.

Hoy en día cada estreno en la gran pantalla de Disney, Pixar y compañía, lleva un guión, una historia, que narran historias para niños… con humor para adultos. El doble de público potencial: éxito garantizado.

Y fue así como hemos pasamos de “los dibujos” a la Animación.

El ataque oriental

Unos años antes de que los Simpson llegasen a las pantallas, en Japón veía la luz Akira.

El fenómeno manga cruzaba las fronteras niponas, y desembarcaba en occidente a través de los niños, cuyo inconsciente quedo irremisible colonizado por aquella animación extrema. Créanme que fue así. Lo sé: yo era una de esos niños.

Nosotros nos dimos cuenta en seguida: aquello era otra cosa. ¿Qué era el coyote, cayendo en un precipicio interminable para estamparse en el suelo, que Tom y Jerry, con sus golpes de mentira y sus enormes chichones? He aquí unos dibujos que te mostraban esa misma violencia… pero con consecuencias.

Porque, no nos engañemos, los dibujos clásicos siempre fueron sádicos: Mortadelo y Filemón también destruían edificios; eran aplastados por escombros; les quemanban, les empalaban, les disparaban… Luego salían cubiertos de vendas, perseguidos por el super, y en la siguiente página ya estaban frescos como una rosa para volver a empezar. Como nuevos.

En el manga, en cambio, una explosión podía acabar – suele acabar – con gente muerta. Las Katanas de los samuráis desmembraban a la gente que, en lugar de enfadarse cómicamente, agonizaban y morían. Y los protagonistas de estas historias tenían miedo. Existía una autentica carga dramática porque los personajes no eran invulnerables, ni mucho menos. Y donde Superman y Batman llegaban siempre al final de la historieta victoriosos y sin un rasguño ni un cabello despeinado, el héroe manga alcanzaba el clímax destrozado, casi agonizando.

Y, siendo lo más llamativo, la violencia no era lo único. A la larga, ni siquiera lo más fascinante. Lo que realmente atrapó a mi generación, película a película, episodio tras episodio, era unos personajes que evolucionaban: el héroe o la heroína no nacían; se hacía. Adquirían sus poderes a través del sufrimiento y el entrenamiento, y no se quedaban estancados ahí. Siempre tenían que hacerse más fuertes para alcanzar a hacer frente a unos adversarios que también aumentaba de forma correlativa su poder. Por otro lado, los amigos podían volverse enemigos, o el viejo adversario podía convertirse en el mejor de los aliados cuando surgía un enemigo común.

Y además estaba el sexo: desde el meramente sugerido – esas chicas con rostros perfectos y pechos exuberantes – hasta el más brutal y desatado – las mismas chicas de antes violadas por un monstruo dotado de tentáculos fálicos -.

Y es que la hermética e hiper reprimida sociedad japonesa, en busca de una vía de escape a su rígida y asfixiante realidad, había descubierto que los dibujos eran el vehículo perfecto para narrar las historias más extremas: al ser simples esbozos sobre el papel o el fotograma podías hacerle cualquier cosa al personaje.

Para muestra de lo dicho, un ejemplo: En el último torneo de Bola de Dragón – antes de la Z-, Piccolo lanzaba un ataque a Son Goku que le dejaba una herida… que digo una herida, un autentico boquete en el pecho a través del cual podía, incluso, verse el paisaje, los espectadores y la línea del horizonte al fondo. “Estas acabado” afirma Piccolo, sonriendo. ¡Difícil no estar de acuerdo, ¿verdad?! Pero entonces Goku se llevaba la mano agujero y le devolvía la sonrisa. “No me has dado en ningún punto vital” responde. Con un par de cojones, sí señor. Y en las casas, miles de niños arrobados mientras abrazan con fuerza el cojín.

¿Cómo podría hacerse esta misma secuencia con actores de carne y hueso sin caer en el más absoluto ridículo? La respuesta es obvia: no se puede. Por eso todas las películas basadas en mangas resultan un fracaso.

Y ya que estamos, tampoco podría el director de turno plantarse ante la actriz hollywoodiense, guión en mano, y decirle: “Por cierto, en la siguiente toma cinco monstruos te arrancan la ropa y te violan durante diez o quince minutos, aproximadamente. Rodaremos la escena de cerca y en detalle, por lo que el sexo será de verdad; ¿te apetece rodarlo toma a toma, o todo del tirón?”. Sin embargo, es lo que aparecía en la ya clásica serie Urutsukidoji, donde había una escena como la descrita, al menos, una vez por episodio.  

Todo esto no sería muy relevante si no fuera porque dicha serie fue comprada por los directivos de La 2 – ya sabe usted, la de las documentales – que pensaron: “¿Dibujitos japoneses? ¿Es Heidi o Marco? Bueno, da igual. Emitidlo por las tardes, cuando los críos hayan llegado del colegio”. Y así se hizo durante nueve largos episodios hasta que alguna escena de sodomía acabó traumatizando a algún padre – a los niños, curiosamente, no les traumatizó en absoluto- que demandó a RTVE para que lo retiraran de antena. (Hay que decir que esto nunca abría pasado en Japón; allí, por tener el hábito de examinar los programas antes de emitirlos, sabían de sobras que semejante material solo podía ser emitido de madrugada)

Pero, por supuesto, eso ocurrió en otra época. Cuando los adultos aún pensaban que los dibujos eran para niños, pero los niños ya veíamos Animación.

Por Manu.

A veces sucede que entras en una sala de cine sin tener ni idea de que trata una peli. Simplemente vas porque no tienes nada mejor que hacer y es la única que proyectan a la hora en la que estás. Y ves esa película y te preguntas cuál es el motivo de que una obra maestra no se publicite más, no la conozca la gente. Algo parecido me pasó cuando vi “Al otro lado”. Historias que se entrelazan al estilo del cine de Iñárritu, poesía en cada fotograma, una banda sonora espectacular, y una trama tan sencilla y tan compleja como la vida. Supongo que por eso no es conocida, no es apta para el gran público. Una gozada, sobrecogedora y emocionante.

Esta semana incluimos en blogcine las notas de producción que nos han pasado nuestros compañeros de Profero en relación a la película “Las ruinas”.

Aquí podéis ver un trailer

Pinche aquí para ver el vídeo

NOTAS DE PRODUCCIÓN
Basada en la novela superventas del guionista Scott Smith, nominado por la Academia, LAS RUINAS describe las aventuras de un grupo de amigos que, estando de vacaciones, visitan un remoto emplazamiento arqueológico en México y se ven envueltos en una brutal lucha contra el mal que habita el lugar.

El sol, las aguas cálidas y las playas arenosas son un gran atractivo para un sinfín de estadounidenses, sobre todo jóvenes, en busca de diversión a precios económicos. Y eso hacen dos amigas, Amy (Jena Malone) y Stacy (Laura Ramsey), con sus respectivos novios, el serio estudiante de medicina Jeff (Jonathan Tucker) y el juerguista Eric (Shawn Ashmore). Casi al final de sus vacaciones deciden hacer una excursión por la jungla maya en busca de una pirámide. Cuando por fin la encuentran, un acontecimiento inesperado obliga a los asustados turistas a trepar a la cima de la vieja estructura, donde se enfrentarán a horrores letales y lucharán a vida o muerte.

DreamWorks Pictures y Spyglass Entertainment presentan una producción de Red Hour, LAS RUINAS, con Jonathan Tucker, Jena Malone, Shawn Ashmore, Laura Ramsey y Joe Anderson. La película está dirigida por Carter Smith, a partir de un guión de Scott B. Smith, basado en la novela de Scott Smith. Los productores son Stuart Cornfeld, Jeremy Kramer y Chris Bender. Productores ejecutivos, Ben Stiller, Trish Hofmann, Gary Barber y Roger Birnbaum. Director de fotografía, Darius Khondji, ASC, AFC. Diseñador de producción, Grant Major. Montador, Jeff Betancourt. Diseñadora de vestuario, Lizzy Gardiner. Supervisor de efectos visuales, Gregory L. McMurry, ASC. Música, Graeme Revell.

ACERCA DEL RODAJE
“LAS RUINAS llega a la gran pantalla de la mano de Stuart Cornfeld y de Ben Stiller”, explica el productor Chris Bender. “Les gustó mucho la primera novela de Scott Smith, Un plan sencillo, que también fue llevada al cine, y consiguieron leer unos cuantos capítulos de Las ruinas antes de su publicación. Hablaron con DreamWorks, compraron los derechos y empezaron a desarrollar el proyecto”.

Resumiendo, podría decirse que la historia trata de cinco personas que, durante sus vacaciones, descubren unas ruinas mayas escondidas tras unas maléficas plantas trepadoras devoradoras de hombres, pero es mucho más que eso. Es una historia de supervivencia. Los productores estaban convencidos de que el autor sería capaz de trasladar el terror que emana de la novela a un guión, pero quedaba encontrar al director. “Había dos posibilidades, dependiendo del director”, dice Chris Bender. “Podía acabar siendo la típica película de terror con plantas trepadoras asesinas o podía ser una película que jugara con la psique del espectador de un modo mucho más siniestro, plasmando en la pantalla lo que está en la página escrita”.

Para conseguir este difícil objetivo, DreamWorks escogió al director novel Carter Smith. A pesar de que nunca había dirigido una película y de ser conocido, sobre todo, como un brillante fotógrafo de moda, les bastó con ver el corto “Bugcrush” para saber que era la persona idónea.

“Recuerdo que me quedé sentada sin moverme como diez minutos delante del televisor después de verlo”, dice la actriz Jena Malone. “Da miedo porque no es un thriller o una película de terror al uso. Me dio la impresión de que podía olerlo, saborearlo, sentirlo, era muy desagradable. Después de ver ‘Bugcrush’ e imaginar en lo que podía transformarse LAS RUINAS a través de la peculiar visión de Carter, supe que iría más allá de los límites del género. Las trepadoras no serían las malas de verdad, sino la naturaleza humana y nuestras reacciones. Estaba convencida de que la película sería espectacular”.
Carter Smith no dudó en aceptar dirigir LAS RUINAS en gran parte por su autor y guionista. “Soy un verdadero fan de Un plan sencillo, la primera novela de Scott Smith. De hecho, estaba leyendo Las ruinas cuando me llamaron de DreamWorks para que echara un vistazo al guión. Fue un auténtico placer. La mejor base para un realizador es un guión bien escrito, y este era fantástico. También es un auténtico plus que el autor de la novela y del guión sea la misma persona. Lleva tanto tiempo con los personajes que los conoce a la perfección y puede transmitirlo. Reconozcámoslo, los personajes de las películas de terror no suelen ser profundos ni muy construidos. Además, también soy fan del género”.
“Lo interesante de esos chicos”, sigue diciendo el realizador, “es que no son los típicos personajes del género. Amy y Stacy son amigas, pero sus novios respectivos no se conocían antes del viaje. También están Mathias y su amigo Dimitri. Las dos parejas acaban de conocer a Mathias, un turista alemán que quiere ir a una ruina maya en busca de su hermano desaparecido. La mayoría de ellos no se conocen bien, no encajan, no encuentran su lugar en el grupo. Nada de eso se ha solucionado cuando todo empieza a ir mal, lo que nos da la posibilidad de mostrar a personajes multifacéticos envueltos en una situación compleja ante la que reaccionan de forma muy diferente”.

“Scott Smith sabe escribir una historia”, dice la productora ejecutiva Trish Hofmann. “Maneja a la perfección el aspecto psicológico del terror y las reacciones de la gente sumida en situaciones inverosímiles. Por otra parte, Carter es muy sutil construyendo una secuencia hasta hacerla culminar en un susto. Scott y él encajaron de maravilla para desarrollar la historia y decidir qué partes de la novela debían llevar a la gran pantalla”.
En opinión del productor Chris Bender, Tiburón es el ejemplo perfecto de cómo un buen thriller debe basarse en la expectación más que en el hecho en sí. “De eso se trata en esta película, de que el espectador tenga la información justa para que dé miedo, para que entienda las intenciones de las plantas trepadoras, pero que sigan rodeadas de misterio”.
Chris Bender y Trish Hofmann creen que la experiencia de Carter Smith como fotógrafo ha aportado mucho a la hora de incrementar la tensión. “Los encuadres de Carter son increíbles, comunican una sensación única”, dice la productora ejecutiva. “La mayoría de películas de error son oscuras para que el espectador se pregunte qué hay entre las sombras. En este caso, los personajes están en lo alto de una colina a pleno sol, pero es aterrador. Por ejemplo, antes de saber que son trepadoras asesinas, coloca la cámara en un ángulo extraño para dar a entender que puede ser el punto de vista del malo. Usa recursos visuales para maximizar el suspense, es tremendo”.

Como reconocido fan del género de terror, el director tenía muchas ganas de crear algo nuevo: “Normalmente, en una película de terror, los personajes corren y el asesino los elimina uno a uno. Está bien, pero quería crear algo diferente, que me diese escalofríos como espectador. Una de las cosas más desagradables que puedo imaginar es una invasión corporal, da igual que sea una garrapata, un gusano o una planta asesina que rodea una ruina maya. La idea de perder el control del cuerpo da mucho miedo”.
Pero eso sólo es parte del horror de LAS RUINAS. “No se trata únicamente de que algo exterior ataque a esos chicos. El auténtico terror viene de dentro. Surge de los personajes y de su comportamiento ante una situación de peligro, pero nunca hay nada definido. En esta película hay muchas zonas grises, y es lo que más me gusta”, añade Carter Smith.
Trish Hofmann añade: “LAS RUINAS no es la típica película de terror. Es una película de terror psicológico que se mete debajo de la piel”.
LOS DECORADOS
LAS RUINAS transcurre en Cancún, México, con sus fantásticas playas arenosas y sus exuberantes selvas. Encontrar una playa con un plató cercano no era muy difícil, pero el realizador Carter Smith tenía otra idea; rodar la película en decorados naturales. “Quería que fuera lo más realista posible”, explica. “Me parece lo mejor para los actores y la historia. En una historia tan exagerada como esta, es necesario mantener el resto de los componentes dentro del mayor realismo. Además, la luz natural es la más espectacular, bella y realista. Estaba convencido de que funcionaría perfectamente con lo que queríamos hacer. Era imposible rodar en un plató”.

La productora ejecutiva Trish Hofmann se lanzó a la búsqueda de un decorado natural que incorporase costa y jungla, y que permitiese trabajar con un equipo técnico experimentado sin salirse del presupuesto. “No cabía duda de que el mejor lugar era Queensland, Australia”, dice. “Dado el número de películas que se ruedan allí, sabíamos que dispondríamos de un equipo de primera. Los platós de Warner Roadshow Movie World estaban muy cerca de los decorados naturales que habíamos escogido, lo que nos venía muy bien ya que para algunas escenas sería necesario el uso de platós. No fue difícil decidir que nos iríamos a Australia”.
El productor Chris Bender habla de las localizaciones: “Cuando salen del hotel y localizan las ruinas, se enfrentan a unos indios mayas. Al no conocer el idioma, no saben qué han hecho para enojarlos. Dimitri, el amigo de Mathias, muere de un disparo, y piensan que lo más prudente es quedarse en la parte más alta del yacimiento”. Los tres decorados principales son un claro en la jungla, lo bastante amplio como para edificar la base de la pirámide y para que se movieran unos jinetes; la parte superior de las ruinas, desde donde se divisa la jungla que las rodea, y la oscura cámara ceremonial en el interior de la ruina. “La cámara ceremonial se construyó en un plató”, dice Chris Bender. “No fue fácil localizar los decorados naturales, pero ambos son increíbles. El diseñador de producción Grant Major se superó con las rocas y las plantas trepadoras. Cuando las localizaciones se unieron digitalmente, quedaron perfectas, es imposible darse cuenta de que son lugares diferentes”.
La mayor parte se rodó en el monte Tamborine y en una propiedad privada cerca del Parque Nacional Springbook, en la Costa Dorada. A pesar de los inconvenientes de trabajar en exteriores, los actores están de acuerdo en que fue de gran ayuda. “Es mucho mejor trabajar en un decorado real que en un plató delante de una pantalla verde”, dice Shawn Ashmore, que sabe de lo que habla después de su experiencia en las películas X-Men. “En exteriores, se ve el cielo, se siente el viento, el sol, el calor, se pasa sed. Esas sensaciones ayudan mucho para que uno se meta en la escena”.

Pero, por desgracia, no se rodó en verano. “Era fantástico trabajar en la naturaleza, disfrutar de unas increíbles puestas de sol, pero hacía un frío horrible”, recuerda, riendo, Laura Ramsey. “Se supone que es un verano caluroso. Llevábamos camisetas de tirantes y nos rociaban con aceite de oliva para simular el sudor, lo que a veces era un poco incómodo. Pero prefiero trabajar en un sitio bonito, helarme y que me rocíen con aceite a observar una pantalla verde intentando imaginar que estoy en la selva”.
Los decorados naturales ayudaron a generar la ambientación que Carter Smith necesitaba. “Viendo la película, se es muy consciente de que el sol baja lentamente, que va a ponerse y que cuando eso ocurra, algo muy desagradable va a pasar”, dice el director. “Pero al trabajar con luz natural, sentíamos cierta urgencia, había que tomar decisiones rápidas. A veces pienso que si no hubiéramos estado sometidos a esa presión, no habríamos conseguido tomas tan tensas”.

EL REPARTO Y LOS PERSONAJES
“Algo que me pareció interesante es que los personajes empiezan siendo unos jóvenes atractivos, normales y reales. Pero al final, acaban destrozados, totalmente cambiados, son auténticos monstruos”, dice el director Carter Smith. Para conseguir esta transformación, fue muy específico en cuanto al reparto.
“Buscaba dos elementos principales. No quería actores que se parecieran a los habituales de una película de terror con jóvenes. Como fotógrafo de moda, he descubierto que me atraen más las personas con un físico interesante, y no las que poseen una belleza convencional. Por eso, aunque nuestros actores son muy atractivos, no son típicamente ‘Hollywood’. Creo que aportan un mayor realismo a la historia, se parecen a los típicos estudiantes estadounidenses de vacaciones”.
Su segunda condición era encontrar actores capaces de hacer justicia a las sutiles capas oscuras de la novela y el guión de Scott Smith. El productor Chris Bender dice: “A veces es difícil encontrar el reparto de una película de terror, sobre todo si ha habido muchas últimamente, porque los actores tienen miedo de que les encasillen. Por eso, cuando nos pusimos en contacto con los actores, no sólo les mandamos el guión, sino el corto “Bugcrush”, de Carter Smith, y nos aseguramos de que sabían que la novela y el guión estaban escritos por la misma persona”.
“Los personajes de LAS RUINAS están muy trabajados”, dice Shawn Ashmore. “En realidad, los personajes y el espectador se conocen casi a la vez, a excepción de Amy y Stacy. De pronto, se encuentran en una situación terrorífica. Todo es muy rápido, muy ágil, y plantea la pregunta del cambio en las relaciones, de la reacción de la gente en situaciones de vida o muerte”.

El líder natural del grupo es Jeff, interpretado por Jonathan Tucker. “Jeff es estudiante de medicina, conoce el cuerpo humano, la sangre no le asusta, pero no está preparado para esto”, explica el joven actor. “En una situación como esta, hace falta creer en el líder, y todos los personajes quieren creer que será capaz de sacarles del horror. Es un chico sensato, no le van las fiestas. Pero el problema es que ha basado su vida en la ciencia, y lo que ocurre a su alrededor no tiene nada que ver con la lógica. Al principio no lo reconoce, se hace el valiente, toma decisiones lógicas que acaban teniendo consecuencias nefastas, sobre todo para Mathias”.
Si Jeff es el líder, Eric es el simpático del grupo. “No es un tío complicado”, dice Shawn Ashmore. “Es un chico de vacaciones decidido a pasarlo bien. Creo que el público puede identificarse con Jeff porque no cree tener todas las respuestas. Cuando las cosas empiezan a ir mal, intenta proteger a Stacy. Pero ella entra en la pirámide, resulta herida y cambia. A pesar del cambio de carácter de su novia, sigue intentando acercarse a ella y ayudar a los demás. Sin embargo, el personaje adopta una actitud radicalmente diferente en un punto de la historia. Disfruté mucho interpretando ese cambio”.
También Amy cambia de carácter. “Amy ha venido de vacaciones por las playas, para pasárselo en grande con su novio y su mejor amiga, Stacy”, explica Jena Malone. “Pero al quedarse atrapados, se descubre que es una persona mucho más compleja, algo irresistible para una actriz. Lo genial del guión es su simplicidad. No hay muchos diálogos. Sobre todo gira alrededor de lo que ocurre en el interior de los personajes”.
La actriz Laura Ramsey dice: “Interpreto a Stacy, la novia de Eric. Cuando penetra en la pirámide para ayudar a Mathias, se obsesiona con una planta. En la novela, Eric se queda literalmente prendado de una trepadora. Cuando leí el libro, me serví de algunos rasgos del personaje de Stacy, pero también de Eric”.
Cuando los cuatro jóvenes actores llegaron a Australia, descubrieron que el director estaba muy dispuesto a escuchar sus comentarios. “Decidimos calibrar su relación”, dice Laura Ramsey. “Durante los ensayos improvisamos, hablamos de nuestros personajes y de cómo reaccionarían en ciertas situaciones, lo que le llevo a realizar algunos cambios en el guión. Carter siempre estuba dispuesto a escuchar nuestra opinión; fue un proceso muy gratificante”.
Jonathan Tucker añade: “Todo el trabajo que hicimos durante los ensayos sale a relucir en la pantalla. Tomamos decisiones que pueden parecer ridículas, como meternos en orificios oscuros sin saber lo que hay dentro, sacar de golpe plantas que se han metido en el cuerpo de alguien. Incluso intentamos realizar una operación sin anestesia, con una piedra, una navaja y una sartén caliente. Pero hay que entender a los personajes y simpatizar con ellos para querer que salgan vivos de esta aventura”.

LAS TREPADORAS Y LOS EFECTOS VISUALES
Una vez escogidos los decorados y el reparto, la mayor preocupación fue cómo conseguir las mortales plantas trepadoras.
“Lo primero que pensé fue ‘Dios, ¿cómo vamos a conseguirlo?’”, recuerda, riendo, el director Carter Smith. “Una cosa es describir una trepadora letal en una novela, otra es llevarla a la pantalla”. Los cineastas eran conscientes de que necesitaban a un equipo excepcional para dar vida a los verdes antagonistas. Para ello, recurrieron al famoso diseñador de criaturas Patrick Tatopoulos, que se ha ocupado de películas como Soy leyenda y 10.000, el famoso director de producción Grant Major, que ganó un Oscar por su trabajo en la trilogía El señor de los anillos, y el supervisor de efectos visuales Greg McMurry, que tiene en su haber Los 4 fantásticos y Silver Surfer y Death Sentence.

El realizador, en vez de explicar la existencia de las plantas, se limita a dejar caer pistas, pero sin desvelar su origen, para que el espectador lo decida por su cuenta. “Las plantas se basan casi en su totalidad en el mundo real”, dice Carter Smith. “Hacen lo mismo que las plantas de verdad. Necesitan nutrientes. Los habitantes del lugar tienen un sistema para impedir que invadan más terreno. Nos planteamos qué hacen con los cuerpos cuando acaban de consumir la carne. Pero la tarea principal fue decidir qué aspecto tenían y cómo se movían”.
Una vez acabados los diseños de Patrick Tatopoulos, el director de producción Grant Major recurrió a Gary Cameron para esculpir, realizar los moldes y producir los delicados tallos, hojas y flores. “Estudiamos muchísimas plantas para conseguir imaginar su movimiento y cómo reaccionarían si alguien las tocase”, explica Gary Cameron. “Acabamos usando tallos de calabazas por su rápido crecimiento y su forma de arrastrarse”.
Para realizar las trepadoras “estrellas”, de las que hay primeros planos, fue necesario un taller de doce personas. Todo se hizo mano, los moldes, pintar y encajar cada hoja al tallo, las flores. “Fue un ejercicio muy laborioso, pero valió la pena”, dice Grant Major.
“Las trepadoras son geniales y nos ayudaron mucho a la hora de actuar”, dice Joe Anderson, que interpreta a Mathias. “Completan el espacio tridimensional y ayudan a que sea más real. Las plantas tienen vello, pequeños pelos que pican. No hacen daño, pero al tocarlas, la sensación es desagradable. Mi primer encuentro con las plantas es cuando intento apartarlas, me corto y la savia me quema las manos. Siempre hay que tener cuidado de no exagerar el dolor, pero en un decorado tan realista, se sabe instintivamente hasta qué punto se puede llegar. Todo eso ayuda a que la tensión incremente. Así, cuando me rompo las piernas y las plantas empiezan a invadirme, la reacción es realmente intensa”.
La persona encargada de conseguir que las trepadoras se moviesen es el supervisor de efectos visuales Gregory L. McMurry. “Al principio pensamos en crear una marioneta, pero nos inclinamos por la animación digital”, explica. “Cuando el grupo está aislado encima del montículo, las trepadoras empiezan a acercarse. No era una buena idea mostrar los tallos avanzando, se perdía el elemento sorpresa. Es mejor conseguir que el espectador espere el ataque que va a ocurrir inevitablemente. Los chicos se dan cuenta de que las plantas tienen una textura diferente. Luego, vemos cómo se mueven cuando los jóvenes no miran, pero no queda claro si es una ilusión o incluso el viento”.

LAS PRÓTESIS Y EL MAQUILLAJE
Carter Smith estaba convencido de que la película se beneficiaría con un rodaje en decorados naturales y, además, usando prótesis en vez de animación por ordenador para las escenas más gráficas. “La mayoría de los momentos más truculentos transcurren a plena luz del día. Es más difícil hacer trampas con las sombras que en la típica película de terror que suele transcurrir durante la noche. Si nos hubiésemos limitado a usar animación, las escenas serían frías, y esta película depende de que el público conecte de un modo visceral con lo que pasa en la pantalla”.

La responsabilidad recayó en Jason Baird, diseñador de maquillaje protésico de efectos visuales, para quien LAS RUINAS se convirtió en un sueño hecho realidad: “Me divertí mucho. Hay efectos de maquillaje realmente geniales”. En lo que respecta a su trabajo, hay tres momentos clave en la película. En el primero, una mujer tiene plantas metidas dentro del cuerpo; en el segundo, Stacy, en un intento desesperado por sacarse las trepadoras del cuerpo, empieza a cortarse la carne, y el tercero, el más difícil en su opinión, es cuando Mathias se rompe las piernas y, al volver en sí, descubre que las plantas se han comido gran parte de la carne por debajo de las rodillas.
“Son trozos deshilachados de carne colgando de los huesos”, explica Jason Baird. “Acaban amputándole las piernas con una roca y cortando la carne con una navaja de bolsillo. Hay sangre por todas partes. Tuvimos que diseñar un muñeco muy realista de caderas para abajo”.
“Las prótesis son extraordinarias”, dice Joe Anderson, que se pasó muchas horas sentado en un agujero con la mitad de un cuerpo falso atado a las caderas. “Hicieron moldes de mis piernas y de mis caderas. Si miraba hacia abajo, veía unas extrañas extremidades idénticas a las mías”.
Jena Malone reconoce que probablemente tenga pesadillas con el maquillaje protésico el resto de su vida. “Sobre todo la escena en que amputamos las piernas a Mathias. Había un material gelatinoso que sacaba mucha sangre y olía fatal. Sabía que era mentira, pero empecé a sentir náuseas, un auténtico lujo para una actriz en medio de una escena tan horrible. Trabajar con artistas de este calibre es fantástico”.
Se hicieron diez juegos de piernas de silicona para conseguir el efecto deseado. Jason Baird se quedó sorprendido al descubrir que cuanto más sucias y cubiertas de sangre estaban las piernas, más realistas parecían. “Investigamos bastante”, dice. “Observamos que la carne cruda adopta ciertas formas cuando cae al suelo. Luego mezclamos productos químicos, silicona y espumas hasta conseguir el resultado final”.
La productora ejecutiva Trish Hofmann dice: “Se nota que Jason ama su trabajo. Cuando vino a enseñarnos las piernas, las llevaba en el maletero del coche. Al irse, todos esperamos sinceramente que no le parasen en un control de policía”.

EL DISEÑO DE PRODUCCIÓN Y LA FOTOGRAFÍA
“La historia empieza de forma bastante idílica”, dice el diseñador de producción Grant Major. “Están en la costa, hay muchos colores brillantes, mucha luz, pero los personajes se adentran en una selva donde las cosas ya no son tan bonitas. Todo parece más oscuro, más cutre. Acaban en una ruina maya y, a pesar de que están en el exterior, es necesario comunicar una sensación claustrofóbica, de aislamiento absoluto”.
El realizador Carter Smith añade: “La ambientación ayuda a crear una sensación de oscuridad. Quizá los espectadores no se den cuenta al principio, pero si se hace bien, acaban notándolo”.

El diseñador estudió el periodo histórico para crear una ruina maya. “La película transcurre en México, por lo que fue fácil recrear las zonas turísticas”, dice. “Pero las ruinas mayas de la península del Yucatán fueron más complicadas. Habríamos podido rodar en una pirámide auténtica, pero no es posible apoderarse de un lugar así durante semanas, prohibiendo la entrada a cualquiera que no tenga que ver con la película. Se necesita mucho equipo y mucha gente para un rodaje. Era mejor construir nuestra propia pirámide”.
“Estudiamos las diversas pirámides de la cultura maya”, sigue diciendo. “Además, debíamos adaptar la ruina a toda la acción que transcurre en la cima. Tardamos unas siete semanas en construir los dos decorados, la parte inferior y la parte superior de la pirámide, muy poco tiempo para algo tan grande. Por suerte, tuve un equipo maravilloso”.
La tarea de unir las piezas del rompecabezas recayó en el director de fotografía Darius Khondji, que ya había trabajado con el realizador: “Carter y yo nos reímos mucho. Normalmente, parte de mi trabajo consiste en que los actores salgan favorecidos, pero en este caso optamos por lo contrario”.
Ambos decidieron que el arranque de la película tendría un ambiente relajado, atractivo, pero poco a poco, todo cambiaría. “Empezamos con una iluminación suave y muchos colores. Luego, la luz se hace más dura, como la situación de los personajes. Quise que reflejara esa dureza, esa fealdad. En esta película, he rodado más cámara en mano de lo que suelo hacerlo para comunicar la sensación de caos, de descontrol”.
El director Carter Smith reconoce que LAS RUINAS es una película dura con elementos obvios y otros mucho más sutiles. Para terminar, añade: “Las películas de terror pertenecen al único género en que el público reacciona física y visceralmente a lo que aparece en la pantalla. Los espectadores disfrutan gritando, hundiéndose en la butaca o tapándose los ojos en los momentos más desagradables. Es genial. En mi opinión, la mejor manera de ofrecer estas sensaciones al público es mediante un mundo real con personajes reales, aumentando la tensión poco a poco y mostrando el horror más realista que pueda imaginarse. Si todo encaja y el público reacciona físicamente durante la película, habremos conseguido nuestro objetivo”.

EL REPARTO
JONATHAN TUCKER (Jeff) se dio a conocer por su interpretación del hijo adolescente de Tilda Swinton en el largo En lo más profundo, al que siguieron papeles en películas tan diversas como La matanza de Texas II, para New Line Cinema; Stateside, de Samuel Goldwyn; Criminal, una producción de Steven Soderbergh y George Clooney, con John C. Reilly, y el thriller Hostage, con Bruce Willis. Otras películas suyas son En el valle de Elah, de Paul Haggis, en la que interpreta al hijo de Tommy Lee Jones y Susan Sarandon; Las vírgenes suicidas, de Sofia Coppola; la aclamada Sleepers, de Barry Levinson, y la comedia Corazones robados, con Sandra Bullock.
Para televisión ha protagonizado la serie dramática de NBC “Los hermanos Donnelly”, también de Paul Haggis. Otros trabajos suyos para la pequeña pantalla son la serie “El abogado”; un papel como artista invitado en “Ley y orden: unidad de víctimas especiales” y en “Ley y orden: acción criminal”; una temporada en “A dos metros bajo tierra”, y un papel protagonista en la aclamada serie “Masters of Horror: el baile de los muertos”.

JENA MALONE (Amy) debutó en el papel de una joven violada en “Bastard Out of Carolina”, dirigida por Anjelica Huston, por la que ganó el primero de tres Premios a La Joven Artista, y por la que fue nominada al Premio a la Mejor Actriz en una Miniserie por el Sindicato de Actores y al Mejor Papel Debutante de los Premios Espíritu Independiente. Ha sido nominada dos veces seguidas a Mejor Actriz de Reparto por los Premios Blockbuster Entertainment. Fue nominada por primera vez a un Globo de Oro en 1998 por el telefilm “Hope”, de Goldie Hawn.
Sus películas más recientes son Hacia rutas salvajes, de Sean Penn; Four Last Songs; Lying, que se estrenó en el último Festival de Cannes, y la producción independiente The Go-Getter, estrenada en el Festival de Sundance 2007.
Pudimos verla con Jodie Foster en Contact y La peligrosa vida de los Altar Boys; con Susan Sarandon y Julia Roberts en Quédate a mi lado; con Kevin Costner en Entre el amor y el juego; con Kevin Kline en La casa de mi vida, y con Mandy Moore en ¡Salvados!.
Otras películas suyas son el clásico de culto Donnie Darko; El mundo de Leland; Cold Mountain, de Anthony Minghella; Orgullo y prejuicio, de Joe Wright; La balada de Jack y Rose; Al caer el sol/The Badge; El libro de las estrellas, y para televisión, “Reglas del juego”, “Hitler: el reinado del mal”, “La balada de Lucy Whipple” y “Escondidos en América”.
Debutó en Broadway en la obra “Doubt”, ganadora del Premio Tony y del Premio Pulitzer.

SHAWN ASHMORE (Eric) se dio a conocer por su papel de Bobby Drake/Hombre de hielo en las taquilleras X-Men. Fue galardonado con el Premio MTV 2004 al Actor Revelación por su papel en X-Men 2, de Bryan Singer. Otras películas suyas son 3 agujas, en la que interpreta a un actor de cine porno enfermo de sida, con Stockard Channing, Lucy Liu, Sandra Oh, Chloë Sevigny y Olympia Dukakis, y Aprendiz de detective, con Nick Cannon.

Para televisión, interpretó el papel protagonista en el telefilm “Terry”. Le vimos como artista invitado en un episodio de “Smallville”. Protagonizó el telefilm “La leyenda de Terramar”, para el Canal SciFi, con Isabella Rossellini, Danny Glover y Kristin Kruek.
Su carrera adquirió importancia en 1994, después de ser nominado a un Gemini por su papel protagonista en el telefilm “Guitarman”. A los 17 años obtuvo el papel de Jake en la serie “Animorphs”, en la que estuvo dos temporadas, al que siguió el papel protagonista de “In a Hearbeat”, del canal Disney.

LAURA RAMSEY (Stacy) decidió mudarse de Wisconsin a California para probar suerte en el cine. Un representante la vio trabajando de camarera en un restaurante de Sunset Boulevard, la mandó a una prueba y consiguió su primer papel.

Desde entonces ha trabajado en Ella es el chico, de DreamWorks; Los amos de Dogtown; La alianza del mal/The Covenant, como protagonista; Envenenados, de los creadores de Scream, y Cruel World, también en el papel principal. Recientemente la hemos visto protagonizando Whatever Lola Wants, de Nabil Ayouch. Su próxima película es Street.

JOE ANDERSON (Mathias) se dio a conocer en los escenarios londinenses antes de trabajar con Ed Harris en Copying Beethoven, de Agnieszka Holland. A continuación pudimos verle en el papel protagonista de la aclamada Across the Universe, de Julie Taymor, y en papeles coprotagonistas en La joven Jane Austen, con Anne Hathaway, y en la película biográfica Control, con Samantha Morton y Sam Riley.
Sus próximas películas son Three Words and a Star y High Life.

DIMITRI BAVEAS (Dimitri) es australiano y tiene 19 años. Empezó a trabajar hace 12 años. Este es su primer papel en un largo para la gran pantalla.
Su pasión por la interpretación se despertó cuando estaba en primaria y siguió durante el instituto, donde fue nombrado capitán del Departamento Dramático. Su primera gran oportunidad llegó hace tres años cuando compitió con más de dos mil personas para obtener una beca de la Academia de Interpretación de Australia. Desde entonces, además de cursar estudios de Arte Dramático, ha tomado clases de interpretación musical, lucha para el escenario, comedia y acentos estadounidenses.
Trabaja regularmente en teatro, en programas de televisión, como “Extra, Hot Source”, y en anuncios.

EL EQUIPO TÉCNICO
CARTER SMITH (Director) ganó el Premio al Mejor Corto en el Festival de Sundance 2006 por Bugcrush, escrito y dirigido por él.
Empezó trabajando en el mundo de la fotografía de moda. Realizó una serie de duros retratos de la vida adolescente en el Medio Oeste, publicados en la revista británica ID. Sus fotogra-fías de moda y de famosos, realizadas en un estilo cinematográfico que se ha convertido en una auténtica firma, han sido publicadas en The New York Times Magazine, Vogue, GQ y W.
También ha dirigido anuncios para clientes de la talla de Lancôme, Tommy Hilfiger y Tiffany’s.

SCOTT B. SMITH (Guión – Basado en la novela de) es autor de dos novelas, Un plan sencillo y Las ruinas, que también ha adaptado para la gran pantalla. Por el guión de Un plan sencillo fue nominado a un Oscar, al Premio de la Asociación de Críticos de Cine, del Consejo Nacional de Críticos, de la Sociedad de Críticos de Cine de San Francisco, de los Críticos de Cine de Chicago, al Premio Edgar Allan Poe y al del Sindicato de Guionistas de América.
Escribió su primera novela durante una estancia de año y medio en Nueva Orleans. Nació en Nueva Jersey y creció en Ohio. Se licenció en Psicología en la Universidad de Dartmouth y realizó estudios de posgrado de Escritura Creativa en la Universidad de Columbia. Después de vivir varios años en Brooklyn, se trasladó a California, donde escribió su segunda novela. Actualmente reside en Nueva York.

STUART CORNFELD (Productor) se unió a Ben Stiller para fundar Red Hour Films, una productora dedicada a descubrir a nuevos guionistas y realizadores, y a desarrollar proyectos para el gran público. En 2001, la empresa estrenó su primera película, Zoolander/Un descerebrado de moda, a la que siguieron varios éxitos como Cuestión de pelotas, con Ben Stiller y Vince Vaughn; Starsky & Hutch, con Ben Stiller y Owen Wilson, y Patinazo a la gloria, con Will Ferrell y Jon Heder. También es el productor de Dando la nota, con Jack Black y Kyle Glass.
Anteriormente había trabajado con algunos de los directores más innovadores e imaginativos. Produjo La mosca, de David Cronenberg, y Kafka, la verdad oculta, de David Soderbergh. También ha trabajado con directores del calibre de Mel Brooks, Amy Heckerling y Guillermo del Toro.

JEREMY KRAMER (Productor) se unió a Red Hour Films en 2007 cuando supervisaba, para DreamWorks, el rodaje de LAS RUINAS. En DreamWorks se ocupó de películas como Patinazo a la gloria, con Will Ferrell, y el thriller Disturbia, de D.J. Caruso, con Shia LaBeouf.
Antes de trabajar en DreamWorks, fue primer vicepresidente de producción de Miramax Films desde 1998 a 2005, y antes había sido vicepresidente de producción de MCPA/Orion Pictures. Empezó como productor independiente en 1995 de la película Un entrenador genial/Kicking and Screaming, de Noah Baumbach.

CHRIS BENDER (Productor) fundó la productora y agencia Benderspink con su socio J.C. Spink en 1998 como agentes de quince guionistas. Al cabo de un año, la agencia había vendido más de veinte guiones, coproducido American Pie, de Universal Pictures, convencido a los ejecutivos de Disney de atreverse a apoyar al director novel de Gigoló/Deuce Bigalow, y firmado un acuerdo de primera opción con New Line Cinema.
Desde entonces han cosechado éxitos de la talla de Como perros y gatos; El efecto mariposa, dirigida y escrita por Eric Bress y Jonathan Gruber; The Ring/La señal, de DreamWorks, y American Pie 2 y American Pie ¡Menuda boda!, ambas de Universal. Otros éxitos más recientes son la aclamada Una historia de violencia, de David Cronenberg, nominada a un Globo de Oro a la Mejor Película Dramática; Sólo amigos, de Roger Kumble; La madre del novio, de Robert Luketic, con Jane Fonda, y Vuelo nocturno, de Wes Craven.
Han expandido sus horizontes a la televisión y hace poco se han ocupado de la producción ejecutiva de “Kyle XY”.

BEN STILLER (Productor ejecutivo) ha sabido imprimir un estilo único a todo lo que hace como actor, director, productor y guionista. Acaba de terminar el rodaje de la comedia de acción Tropic Thunder, acerca de un grupo de actores que ruedan una película de guerra de gran presupuesto y se ven obligados a convertirse en comandos de verdad. El reparto de la película incluye a Jack Black, Robert Downey Jr, Brandon T. Jackson, Jay Baruchel, Matthew McConaughey, Steve Coogan, Danny McBride, Bill Hader y Brandon Soo-Hoo.
En la última década, no ha parado de dirigir, interpretar y producir películas, entre las que destacaremos Bocados de realidad, con la que debutó en 1994 como director; Un loco a domicilio, con Jim Carrey, también dirigida por él en 1996, y Zoolander/Un descerebrado de moda, coescrita, dirigida y producida por él en 2001 a través de su productora Red Hour Films, con su socio Stuart Cornfeld.
Ha protagonizado numerosos éxitos, como Flirteando con el desastre, de David O. Russell; Los padres de ella y la secuela Los padres de él; Algo pasa con Mary; Cuestión de pelotas; Starsky & Hutch; la comedia de animación Madagascar, y la taquillera Noche en el museo, que recaudó casi 600 millones de dólares en todo el mundo. En 1998 interpretó a Jerry Stahl en Doble vida, la historia real del escritor cómico adicto a la heroína. Ese mismo año le vimos en Amigos y vecinos, escrita y dirigida por Neil La Bute.
Como productor tiene en su haber Zoolander/Un descerebrado de moda, Cuestión de pelotas, y la exitosa Patinazo a la gloria.
Obtuvo un Premio Emmy como guionista de la serie “The Ben Stiller Show”, muy aclamada por la crítica y de la que se emitieron exactamente doce episodios. También ha trabajado en Broadway.

TRISH HOFMANN (Productora ejecutiva) ha trabajado como productora en países tan diferentes como Bulgaria y Vietnam. Tiene en su haber películas como Charlie Bartlett, estrenada en el Festival de Tribeca 2007; El nuevo mundo; Dirty Dancing 2; Brown Sugar; La gran caída de Igby; La zona gris; Esta chica me pone; Tres estaciones, y Heavy. Ha trabajado con directores de la talla de Terrence Malick, Woody Allen, Amy Heckerling y James Mangold.

GARY BARBER (Productor ejecutivo) es el cofundador de la empresa de producción, financiación y distribución Spyglass Entertainment, de la que es copresidente y primer ejecutivo.
Desde un principio, la sabia selección de proyectos lleva a la empresa a conseguir grandes éxitos de taquilla, como El sexto sentido, con Bruce Willis, que recaudó más de 661 millones de dólares y fue nominada a seis Oscar. Otros éxitos fueron La venganza del conde de Montecristo, con Jim Caviezel y Guy Pearce; Más que amigos, con Ben Stiller y Edward Norton; Shanghai Kid: del este al oeste, con Jackie Chan y Owen Wilson, su secuela Los rebeldes de Shanghai, y La prueba/The Recruit, con Al Pacino y Colin Farrell.
Fue el productor ejecutivo de dos películas que hicieron historia, Como Dios, con Jim Carrey y Jennifer Aniston, que recaudó más de 485 millones de dólares en todo el mundo y está considerada como una de las grandes comedias de la historia del cine, y el relato de un caballo de carreras legendario, Seabiscuit, más allá de la leyenda, con Tobey Maguire, Chris Cooper y Jeff Bridges, que fue nominada a siete Oscar.
A continuación produjo Un canguro superduro/The Pacifier, una comedia para la familia protagonizada por Vin Diesel, que recaudó casi 200 millones de dólares, y Guía del autoestopista galáctico, que ingresó unos cien millones de dólares en todo el mundo.
La productora cofinanció, con Gary Barber en la producción ejecutiva, La leyenda del Zorro, de Martin Campbell, con Catherine Zeta-Jones y Antonio Banderas, y Memorias de una geisha, de Rob Marshall, con Ziyi Zhang y Ken Watanabe, que ganó tres Oscar de los seis a los que estaba nominada.
En 2006, la productora cofinanció el éxito Bajo cero/Eight Below, de la que él fue productor ejecutivo, y en 2007 produjo y lanzó Lo que no se ve/The Invisible y The Lookout.
Spyglass ha producido recientemente el clásico de animación Superdog; la comedia épica Sigo como Dios; la esperada secuela Hora punta 3; la irónica Pelotas en juego, y la comedia romántica 27 vestidos.
Antes de fundar Spyglass, fue vicepresidente de Morgan Creek Productions durante ocho años y medio en los que se ocupó, entre otras cosas, de la producción y distribución en el extranjero de películas y música.
Ha sido productor o productor ejecutivo de más de 50 largometrajes, entre los que destacaremos el éxito de 1994 que catapultó a Jim Carrey a la fama, Ace Ventura: un detective diferente, la exitosa secuela Ace Ventura: operación África, y el tremendo bombazo de 1991, Robin Hood, príncipe de los ladrones, con Kevin Costner.

ROBER BIRNBAUM (Productor ejecutivo) es el cofundador de la empresa de producción, financiación y distribución Spyglass Entertainment, de la que es copresidente y primer ejecutivo. La empresa desarrolla y financia todos sus proyectos de forma independiente.
Los grandes éxitos de taquilla de la productora van desde El sexto sentido, con Bruce Willis, que recaudó más de 661 millones de dólares internacionalmente, a Como Dios, con Jim Carrey, que ingresó más de 485 millones de dólares. Spyglass también ha producido películas del calibre de Seabiscuit, más allá de la leyenda, con Tobey Maguire, y El dilema/The Insider, con Russell Crowe y Al Pacino. En total, sus producciones han sido nominadas 26 veces a los Oscar, de los que han ganado tres. Otros éxitos de la productora son La venganza del conde de Montecristo, con Jim Caviezel y Guy Pearce; Más que amigos, con Ben Stiller y Edward Norton; Shanghai Kid: del este al oeste y su secuela Los rebeldes de Shanghai, ambas con Jackie Chan y Owen Wilson; La prueba/The Recruit, con Al Pacino y Colin Farrell; Guía del autoestopista galáctico, con Sam Rockwell y Mos Def, y el bombazo Un canguro superduro/The Pacifier, con Vin Diesel.
Spyglass cofinanció y se encargó de la producción ejecutiva de La leyenda del Zorro, de Martin Campbell, con Catherine Zeta-Jones y Antonio Banderas, y Memorias de una geisha, de Rob Marshall, con Ziyi Zhang y Ken Watanabe, ganadora de tres Oscar. La recaudación de cada una de estas dos películas ha superado los 150 millones de dólares hasta la fecha.
En 2006, la empresa cofinanció y produjo Bajo cero/Eight Below, que recaudó más de 120 millones internacionalmente. Ha producido The Lookout, del aclamado guionista y realizador Scott Frank, Superdog, Sigo como Dios, Hora punta 3, Pelotas en juego, y la comedia 27 vestidos.
Antes de cofundar Spyglass, cofundó Caravan Pictures, donde se encargó de éxitos como Hora punta, Seis días y siete noches, Inspector Gadget, Un asesino especial, Los tres mosqueteros, Ángeles y Mientras dormías.
Antes había sido presidente de producción mundial y vicepresidente ejecutivo de 20th Century Fox, donde desarrolló títulos como Solo en casa; Durmiendo con su enemigo; Eduardo Manostijeras; Hot Shots/La madre de todos los desmadres; Mi primo Vinny; El último mohicano; La jungla de cristal 2: alerta roja, y Sra. Doubtfire, papá de por vida, entre otras.
También fue presidente de producción de United Artists, donde desarrolló la exitosa El hombre de la lluvia, ganadora de varios Oscar.
Anteriormente produjo Juegos de amor en la universidad, de Rob Reiner, y El secreto de la pirámide, en asociación con Amblin Entertainment, de Steven Spielberg. También se ha ocupado de la producción ejecutiva de numerosos telefilms, como “El cuarto poder” y “El retorno de Blancanieves: feliz para siempre”, entre otros.
Nació en Teaneck, Nueva Jersey. Estudió en la Universidad de Denver. Antes de entrar en la industria cinematográfica, fue vicepresidente de A&M Records y Arista Records.
Actualmente es codirector artístico del conservatorio del Instituto de Cine Americano (AFI), y miembro del Consejo Asesor del Centro para Cine, Televisión y Nuevos Medios de la Universidad de California en Santa Bárbara. También pertenece al Programa de Producción de Cine Peter Stark de la Universidad del Sur de California, y al Programa de Cine para Posgraduados de UCLA.

DARIUS KHONDJI, ASC, AFC (Director de fotografía) se licenció en Cine en la Universidad de Nueva York y tiene en su haber películas de la talla de Evita, por la que fue nominado a un Oscar, al Premio de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía, a un BAFTA, un Satélite de Oro y al Premio de la Sociedad Británica de Directores de Fotografía; Seven, por la que ganó el Premio de la Asociación de Críticos de Chicago y fue nominado al Premio de la Sociedad Americana y de la Sociedad Británica de Directores de Fotografía; My Blueberry Nights; La intérprete; Wimbledon; La habitación del pánico; La playa/The Beach; La novena puerta; Alien Resurrección; Belleza robada; La ciudad de los niños perdidos, y Delicatessen.
Sus últimas películas son Funny Games, de Michael Haneke, con Naomi Watts, y The Lady from Shanghai, de Wong Kar Wai.

GRANT MAJOR (Diseñador de producción) ha sido nominado a cuatro Oscar y a cuatro BAFTA por su trabajo en la trilogía El señor de los anillos y en King Kong. Ganó el Premio del Instituto de Cine Americano por La comunidad del anillo, y el Premio del Sindicato de Directores Artísticos por Las dos torres y El retorno del rey. Por la tercera y última parte de la trilogía, El retorno del rey, fue galardonado con un Oscar y con el Premio de la Sociedad de Críticos de Los Ángeles, y nominado a un Premio Satélite, que ganó por su trabajo en Whale Rider.
En 1995 había sido galardonado con el Premio de Cine y Televisión de Nueva Zelanda al Mejor Diseño por Criaturas celestiales, de Peter Jackson. Dos años después volvió a ganar este premio por The Ugly. Otras películas suyas son King Kong y Agárrame esos fantasmas, ambas de Peter Jackson; Memoria y deseo; Aberration/Aberración; Jack… sé listo, y Un ángel en mi mesa.
Pronto veremos su trabajo en The Vintner’s Luck, de Niki Caro.

JEFF BETANCOURT (Montador) acaba de montar Boogeyman 2, de Sam Raimi. Como montador tiene en su haber El grito 2/The Grudge 2; Cuando llama un extraño; El exorcismo de Emily Rose; El grito/The Grudge; The Good Girl; Así es el amor, y The Girl’s Room, entre otras.

LIZZY GARDINER (Diseñadora de vestuario) siempre será recordada por el vestido que llevaba la noche que recibió el Oscar al Mejor Vestuario por Las aventuras de Priscilla, reina del desierto. Era un vestido hecho íntegramente con tarjetas American Express a su nombre, que posteriormente se subastó. Donó el dinero recaudado a la Fundación Americana para la Investigación del Sida. Por esa misma película también ganó un BAFTA y un Premio del Instituto de Cine Australiano.
Otras películas suyas El motorista fantasma, con Nicolas Cage; El gran rescate; La amenaza invisible/Stealth, de Rob Cohen; Misión imposible II, con Tom Cruise; Woundings, y Bienvenido a Woop Woop.

GREGORY L. McMURRY, ASC (Supervisor de efectos visuales) tiene en su haber películas como Los 4 fantásticos y Silver Surfer; Death Sentence; Poseidón; Paycheck; The Core/El núcleo; La reina de los condenados; Esfera; The Relic; Broken Arrow/Alarma nuclear; Esperando un respiro; Copycat/Copia mortal; Timecop, por la que fue nominado a un Premio Saturno, y Peligro inminente. También trabajó como técnico de efectos visuales en Star Trek: la película y Encuentros en la tercera fase.

GRAEME REVELL (Música) debutó como compositor cinematográfico en el thriller australiano Calma total. Desde entonces ha compuesto bandas sonoras para directores como John Woo, Wim Wenders, Robert Rodriguez, Ted Demme y Michael Mann.
Nació en Auckland, Nueva Zelanda en 1955. Se licenció en Ciencias Económicas y Políticas en la Universidad de Auckland.
Empezó su carrera de compositor grabando vocalizaciones de pacientes en un hospital psiquiátrico australiano donde trabajaba. A continuación fundó el grupo de música industrial SPK, con el que público grabaciones de insectos y maquinaria, y realizó espectáculos en directo con performances. El sorprendente sonido de la banda gustó a los directores George Miller y Philip Noyce, que le contrataron para componer la banda sonora de Calma total, por que ganó el Premio de la Academia Australiana a la Mejor Banda Sonora.
Crea un sonido absolutamente diferente para cada película, como puede comprobarse en Días extraños, con efectos New Age en un sonido de Oriente Próximo; El cuervo, con etéreas voces femeninas, piano y cuerdas; Abierto hasta el amanecer, de Robert Rodriguez, con una música de efectos muy potentes; Diario de un rebelde, protagonizada por Leonardo DiCaprio, con ritmos industriales y música tradicional japonesa; Blanco humano, de John Woo, con una mezcla de jazz y voces; La mano que mece la cuna, con flauta y cuerdas; Hasta el fin del mundo, con una textura de orquesta clásica, sonidos de canto de ballenas y voces de miembros de tribus de Papúa Nueva Guinea. Volvió a trabajar con Philip Noyce en El Santo.
Ha sido galardonado con el Premio a la Mejor Música Original del Festival de Venecia por La caja de china, de Wayne Wang. Ha compuesto las bandas sonoras de Negociador, con Samuel L. Jackson y Kevin Spacey; Estado de sitio, de Edward Zwick; El dilema/The Insider, de Michael Mann; del thriller de ciencia-ficción Planeta Rojo, y de dos películas de Carl Franklin, Toda la verdad y A contrarreloj/Out of Time.
También se ha ocupado de la música de películas como Menudo bocazas, de Disney; Blow, de Ted Demme; el thriller militar Below, de David Twohy; la irónica Human Nature, de Michel Gondry; auténticos bombazos como Lara Croft: Tomb Raider; Daño colateral; Darevil, y Sin City/Ciudad del pecado, Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl en 3-D y Planet Terror, las tres de Robert Rodriguez.
Entre sus últimos trabajos mencionaremos Terror en la niebla/The Fog; Harsh Times/Vidas al límite; Aeon Flux; ¡Goool!; El hombre del año; La isla de los condenados; Marigold; Darfur Now, y Days of Wrath.
Ha sido galardonado con el Premio Richard Kirk de BMI a los Logros de una Carrera.
Cuando no trabaja en Hollywood, disfruta a bordo de su yate, el mismo que aparece en la primera película de James Bond, Agente 007 contra el Dr. No.

Abrimos un nuevo post para incluir algunas americanadas que hemos visto en 2 peliculas recientes, una es “En el punto de mira” y la otra “Indiana Jones y el reino de las calaveras de cristal”

Son simples curiosidades, no desmerecemos ninguna pelicula, sobre todo la de Indi, que llevamos tanto tiempo esperando y que el trailer tiene muy buena pinta.

Empezamos con la peli “En el punto de mira” en la que en una escena del trailer, sale una supuesta plaza de Salamanca, en la que la gente está con banderitas españolas al más puro estilo americano. Lo que resulta curioso, es que en la versión española han incluido a gente con manos pintadas de blanco !!??

Aqui podeis verlo vosotros mismos, trailer de EE.UU

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y aquí la versión española

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Más info de esta peli en 

Sinopsis Vantage Point

Ahora pasamos a la última de Indiana Jones que será estrenada el 22 de mayo del 2008.

En su versión americana, han puesto la típica banderita patriotica, que la verdad es que sobra en esa escena. Menos mal que la han quitado en la versión española.

Y aquí van los trailers, primero el de USA

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y aquí la versión española

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Sinopsis Indiana Jones 4

Pues ya está el trailer disponible de esta gran película europea rodada en España.

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Estrenos cartelera española
Semana 07/12 – 13/12

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14 kilómetros [1 Comentarios] Catorce kilómetros es la distancia que separa África de Europa, pero también es la barrera que separa los sueños de millones de africanos que ven en Occidente su única salida para escapar del hambre y de la miseria.De la mano de tres jóvenes afri… Añadir a mis listas

Arma fatal [Comenta esta película] Nicholas Angel (Simon Pegg) es el mejor agente de policía de todo Londres. Es tan bueno que hace que todos los demás parezcan malos. Por esa razón sus superiores le mandan a un lugar donde su talento no resulte tan embarazoso: la plácida villa de San… Añadir a mis listas

Can Tunis [Comenta esta película] Año 2002, en un barrio de Barcelona los vecinos se manifiestan contra la expropiación de sus casas. Desde los años 80, este barrio en ruina es el principal mercado de droga de la ciudad. Allí vive Juan con su padre, ocho hermanos y cerca de veinte so… Añadir a mis listas

Donkey Xote [Comenta esta película] ¿Y si hubiera otra aventura después de que se publicara el famoso libro?Harto de la vida contemplativa que llevan en La Mancha, Quijote decide acudir a una aventura sin límites; Afrontar un nuevo reto del caballero de la Media Luna en Barcelona…. Añadir a mis listas

El atardecer [Comenta esta película] Una mujer a punto de morir recuerda el momento de su juventud en el que conoció al amor de su vida. Mientras, sus hijas se enfrentan a la inminente muerte de su madre y a sus propias inquietudes…. Añadir a mis listas

La Brújula Dorada [2 Comentarios] La primera parte de una fantástica aventura que transcurre en un mundo paralelo en el que las almas de las personas se manifiestan como pequeños animales, hay osos parlantes que hacen la guerra y niños que desaparecen misteriosamente. Lyra, una niña … Añadir a mis listas

La vida interior de Martin Frost [Comenta esta película] Martin Frost (David Thewlis), un escritor de éxito, acaba de publicar un libro cuando decide retirarse una temporada a una casa de campo. Al despertarse la primera mañana, Frost descubre sorprendido a una misteriosa y deslumbrante mujer tumbada a su … Añadir a mis listas

Mallorcas song [Comenta esta película] Larry es un americano que no ha conseguido triunfar en la vida ni a nivel personal ni profesional. Reside en un pequeño pueblo de una bella isla mediterránea (Mallorca), famoso en Europa porque un reconocido compositor vivió y compuso allí la mayoría… Añadir a mis listas

Mr. Brooks [Comenta esta película] Mr. Brooks (Kevin Costner) es un hombre torturado incapaz de controlar sus emociones. Tiene una mitad diabólica, un álter ego amante del asesinato y del caos. La detective Atwood (Demi Moore) es una experimentada investigadora cuya devoción a su trab… Añadir a mis listas

Muerte de un presidente [Comenta esta película] “Muerte a un presidente”, bajo la forma de un documental para la televisión que se emitiría en 2008, se centra en el análisis de un acontecimiento catastrófico: el asesinato de George W. Bush el 19 de octubre de 2007. En el “documental” aparecen imág… Añadir a mis listas

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Estrenos cartelera española
Semana 23/11 – 29/11

3 agujas [Comenta esta película] Una mirada, tres visiones de la crisis que provoca el SIDA en todo el mundo: en Montreal, un actor porno (Shawn Ashmore) debe pasar el análisis de sangre obligatorio; una joven monja (Chloë Sevigny) se somete, a costa del sacrificio de su integridad,… Añadir a mis listas

Arritmia [Comenta esta película] Ali (Rupert Evans) es un prisionero árabe en Guantánamo que logra escapar de su condena en un sueño que le lleva a descubrir una ciudad completamente nueva para él. En su viaje, Ali conocerá a Manuela (Natalia Verbeke), una bailarina cubana, ella le… Añadir a mis listas

Beowulf (2007) [1 Comentarios] Basada en el homónimo poema épico escrito en lengua inglesa hacia el s VIII, Beowulf cuenta la historia de un poderoso guerrero que da muerte al demonio Grendel, lo que provoca la ira de su monstruosa a la par que seductora madre. En un tiempo de hér… Añadir a mis listas

Buscando a Emma: Vol 1 [Comenta esta película] Ambientada en la España actual, narra la historia de una joven de origen inglés (Cristina Goyanes) que, tras sufrir un accidente de tráfico, pierde la memoria. Cuando despierta en el hospital la acompaña una elegante joven de 28 años (Francesca Strau… Añadir a mis listas

Encantada. La historia de Giselle [Comenta esta película] La película cuenta la historia de la bellísima princesa Giselle (Amy Adams), a la que una reina malvada (Susan Sarandon) expulsa de su mundo mágico y musical. Giselle se enfrentará a la cruda realidad de las calles del Manhattan actual. Inmersa en un… Añadir a mis listas

Escuchando a Gabriel [Comenta esta película] Gabriel, un joven y solitario pianista abandonó el mundo de la música cuando de pequeño, su padre fue enviado a prisión. Ahora, trabaja la madera y vive encerrado en sí mismo en un edificio del casco antiguo al que llega una joven violinista, Sara, q… Añadir a mis listas

Fados [Comenta esta película] Después de “Flamenco” en 1995, y “Tango” en 1998, Carlos Saura completa la trilogía de la canción urbana moderna con “Fados”. Tras más de dos años de investigación sobre el fado, Carlos Saura da un salto importante en su aproximación al musical. Si e… Añadir a mis listas

Juntos, nada más [1 Comentarios] Cuatro supervivientes; personajes magullados por la vida, cuyo encuentro va a salvarlos de un naufragio anunciado. La relación que se establece entre estos perdedores de corazón puro es de una riqueza inaudita. Todos tendrán que aprender a conocerse… Añadir a mis listas

La camarera [Comenta esta película] Como la camarera favorita del Joe’s Diner, Jenna (Russell) es también un “genio de los pasteles”, bautizando sus seductoras creaciones según los tumultuosos episodios y emociones que le reporta su vida diaria. Ella espera que uno de sus dulces, como … Añadir a mis listas

La sombra del reino [Comenta esta película] Ronald Fleury (Jamie Foxx) es un inteligente agente especial gubernamental al que acaban de encargar la misión de su vida: organizar un equipo de élite (cuyos miembros son interpretados por Jennifer Garner, Chris Cooper y Jason Baterman) que deberá d… Añadir a mis listas

The horror bus [Comenta esta película] Onnoval tiene once años y no se lleva muy bien con sus compañeros de clase. Cree que cuando se enfade, se convertirá en un hombre lobo. Acosado en el colegio, Onnoval escribe historias de fantasmas en las que se venga de los otros niños. Pero cuando … Añadir a mis listas

Un golpe de suerte (2005) [Comenta esta película] Paul Barnell, el depresivo dueño de una agencia de viajes en Alaska, cree tener un golpe de suerte cuando descubre un cadáver cerca de su oficina. Su intención es utilizarlo para cobrar el seguro de vida de su hermano, desaparecido hace años, y así p… Añadir a mis listas

[Rec] [Comenta esta película] Una reportera y su cámara están haciendo un reportaje en una estación de bomberos con la intención de retratar la profesión de estos, su modo de vida y sus situaciones de riesgo. Pero mientras les acompañan en una de sus salidas nocturnas, lo que… Añadir a mis listas